DANIEL JOGLAR

En sus instalaciones y esculturas Joglar hace uso de objetos que colecciona o almacena y, a veces, modifica de manera sutil y los presenta ensamblados, a menudo sobre mobiliarios hogareños o mesas de tablones. Suele incluir pertenencias o regalos hechos por otras personas cuyas historias se impregnan en la obra. También recurre a materiales de librería y oficina, como paspartús, resmas de papel o post-it. En estos casos, el papel se desplaza de su empleo corriente y es utilizado para modelar o construir formas en el espacio. En sus esculturas móviles, incorpora varillas, aros y placas de madera, plástico o aluminio que trascienden su condición objetual para ser materializaciones de formas geométricas. Los títulos de obras, exhibiciones y los textos de sala también son materiales fundamentales para el artista, al igual que el espacio de exhibición, que concibe como lugar en cual trabajar con las relaciones dadas y las que se pueden crear.

Joglar trabaja en movimiento y traslada objetos de un punto a otro para percibir las modificaciones espaciales o energéticas: qué tan cerca tienen que estar dos cosas para que estén conectadas, o qué tan lejos para que se vean solas. Constela un sistema de relaciones en el que las cosas se muestran a sí mismas y entre sí. Este sistema no es diseñado a priori, sino que se consolida en una práctica íntima y performática de taller. Joglar vincula este sentido de la ubicación de las cosas a la tarea doméstica de ordenar y, también, a la práctica del feng shui. Considera central invocar o configurar un sentido de economía en este procedimiento, es decir, que las cosas encuentren (o produzcan un estado de) reposo. Otras piezas son reversiones o remix declarados de obras de otrxs artistas, a veces realizadas con otros materiales o con distinta resolución técnica. En este sentido, su propia producción participa de una asociación en cadena en la que un artista se muestra a la vez que muestra a otrx.

A partir de la reubicación y del armado de asociaciones, el artista desplaza del centro de la escena la funcionalidad formateada de los objetos y los usos tradicionales de los espacios, y permite que emerjan de ellos y de sus formas materiales y colores, nuevos sentidos o modos de ser percibidos. Propone un replanteo de los términos en que cada espectadorx se relaciona con las cosas y los lugares de su vida cotidiana.

Selección de Obras

A0
2017 Madera laminada en guatambú 84 x 118 cm (Disponible)
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Daniel Joglar Bublé
2017 Aros, varillas de aluminio, madera y precintos de plástico 100 x 186 cm
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Si dijiste algo, no se oyó
2017 Vista de la exposición en Ruth Benzacar Galería de Arte. Buenos Aires, Argentina.
Amarillo, azul, negro
2017 Papel de encuadernación 75 x 58 cm (Disponible)
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Verde, rojo, azul
2017 Papel de encuadernación 75 x 58 cm (Disponible)
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Negro, negro, amarillo
2017 Papel de encuadernación 39 x 58 cm (Disponible)
Amarillo, negro, verde
2017 Papel de encuadernación 58 x 39 cm (Disponible)
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Columna
2017 Papel encolado 112 x 8 x 10 cm (Disponible)
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Formatos de referencia
2016 Papel plegado 138 x 102 x 6 cm (Disponible)
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Los mineros
2013 Técnica Mixta 100 x 150 x 71 cm (Disponible)
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Donaldmejuddme
2013 Madera, bronce y cobre. Medidas de los módulos 64 x 89 cm (3 de fenolico) 64 x 44,5 cm (1 de fenolico, 1 de bronce) 32 x 44,5 cm (1 de fenolico, 1 de cobre) (Disponible)
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El mundo siempre
2013 Vista de la exposición en Ruth Benzacar Galería de Arte. Buenos Aires, Argentina.
Clásica
2013 Ensamble 144 x 21 x 13 cm (Disponible)
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Diez colores
2013 Poliamida, metal y plástico 390 x 278 cm (Disponible)
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Plano celeste- Grand Manan
2014 Hojas A4, cinta de papel, cartulina y broches metálicos Fotografía de carta marítima. Impresión sobre Canson Photo Mat Papper 180 g 127 x 119 cm. (Disponible)
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Plano rosa
2013 Hojas A4, cinta de papel, cartulina y broches metálicos Fotografía de carta marítima. Impresión sobre Canson Photo Mat Papper 180 g 127 x 119 cm (Disponible)
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Plano verde
2013 Hojas A4, cinta de papel, cartulina y broches metálicos Fotografía de carta marítima Impresión sobre Canson Photo Mat Papper 180 g 127 x 119 cm (Disponible)
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Eclipse
2013 Bolitas plásticas enhebradas y tanza, 5 soportes metálicos 260 x 150 x 100 cm (aprox.) (Disponible)
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Pequeño Damien Hirst
2013 Tela de gross y botones cosidos sobre barral de hierro pintado 102 x 75 cm (Disponible)
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Haciendo memoria
2013 Tela batista y botones cosidos sobre barral de hierro pintado 100 x 142 cm (Disponible)
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Domingo
2007 Kiosco de diarios y revistas, periódicos y revistas hechas en papel de colores Medidas variables
The invisible Jump
2006 Aros, varillas y esferas de madera, aluminio y plástico, tanza Medidas variables
Hormigas, arañas y abejas
2004 Instalación de objetos sobre mesas Objetos, tableros de mdf forrados en cuerina, caballetes y lámparas Medidas variables
Red
2006 Rosarios luminosos, tanza Medidas variables
Sin título
1999 Instalación de objetos sobre mesas Objetos de librerías y oficinas encontrados y comprados, tableros de mdf y caballetes Medidas variables
Sin título
1998 Instalación de objetos sobre pared Muestrario de papeles, cartuchos de tinta, cinta de embalar, rollito de papel milimetrado, gomas de borrar circulares, alambre de cobre, post-it, rollo de cinta de persiana, chinches , barras de grafito y clavos Medidas variables

DANIEL JOGLAR CV

Nació en Mar del Plata, en 1966. Egresó como Profesor de la Escuela de Artes Visuales Martín Malharro y realizó el Programa de Becas de Guillermo Kuitca. Expuso individualmente en Ruth Benzacar Galería de Arte y en Dabbah Torrejon, en el Blanton Museum of Art, The University of Texas at Austin, y en Artists’ Space, Nueva York. Obtuvo las becas de la Fundación Antorchas, del Fondo Nacional de las Artes, el Premio Elena Poggi y de la Bienal Regional de Bahía Blanca. Participó de residencias tales como Centraltrak, University of Texas at Dallas, Art Omi International Artists Residency. Columbia. NY, y la Residencia Internacional de Artistas en Argentina, RIIA, Ostende.

Sus obras se encuentran en las siguientes colecciones: MALBA, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, MACRO, Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, Santa Fe, MACBA, Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca. Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson, San Juan. Zabludowicz Collection, Londres, Inglaterra y Colección Banco Supervielle, Buenos Aires, Argentina.

Exposiciones individuales

2021
Presentación individual en REUNIÓN,
Ruth Benzacar Galería de Arte. Buenos Aires, Argentina.

2019
Leve, grave, opaco. Centro Cultural San Martín. Buenos Aires.

2018          
¡Gracias¡¡Genial¡¡Ok¡ Mite Galería. Buenos Aires.

2017         
Si dijiste algo no se oyó, Ruth Benzacar Galería de Arte. Buenos Aires, Argentina.

2016
Tesis en el espacio, Museo de arte contemporáneo del sur, Lanús. Curadora Olga Correa
Para mantener las cosas juntas, Chiquita Galería, Buenos Aires, Argentina.

2014
Desplazamientos, Fundación Osde, Buenos Aires.

2013
El mundo siempre, Ruth Benzacar Galería de Arte. Buenos Aires, argentina.
No solo hoy, siempre*, Centro Cultural de la Memoria, Haroldo Conti. Buenos Aires, Argentina.

2011
Micropolíticas, Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca. Buenos Aires, Argentina.

2009
Periodo Azul, Galería DabbahTorrejon, Buenos Aires.

2008
Eco,  Centro Cultural Virla. Tucumán. Argentina.

2007
Panamerican Art Projects. Dallas, Texas

2006         
The Invisible Jump. Blanton Museum of Art, the University of Texas, Austin
Cosas sin hacer, cosas para hacer mañana. Artists’ Space, New York
Nothing in my hands, nothing up my sleeves. Centro Colombo Americano, Bogota, Colombia

2005         
Sonidos Distantes. Galería DabbahTorrejón, Buenos Aires, Argentina.

2004
Hormigas, arañas y abejas, Centro Cultural Borges. Buenos Aires, Argentina.

2003
Relevamientos. Cervantes Institut, Jhon Hanckock Centre. Chicago

2001         
Geografía, Galería DabbahTorrejón. Buenos Aires, Argentina

2000
Instalación, Belleza y Felicidad. Buenos Aires, Argentina.

1999
Espacio experimental,  Fundación Proa. Buenos Aires, Argentina.

1998
Instalaciones, con Ruy Krygier, Alianza Francesa. Buenos Aires, Argentina

Exposiciones colectivas

2022
Reunión. Ruth Benzacar Galería de Arte, Buenos Aires, Argentina.

2019        
La marca original. Arte contemporáneo argentino. CCK. Buenos Aires.
Uno y uno. 90/19. Centro de constructores y anexos. Mar del Plata.

2018        
Latinoamérica: volver al futuro. MACBA. Curador: Federico Baeza
Economía del discurso. MAC. Ciudad de Córdoba.

2017
Argentina Plataforma ARCO, En el ejercicio de las cosas, La bella sintaxis Centro Cultural Conde Duke, Madrid, España. Curadores Sonia Becce y Mariano Mayer.
Pensar en abstracto. MACBA, Buenos Aires, curador Rodrigo Alonso.
Via Viva, curated by Alina Perkins at 5066 Hollywood Blvd, Los Angeles

2016    
ArteBA Focus, Distrito de las artes, Galería Ruth Benzacar. Buenos Aires.
Curadoras Florencia Battiti, Mariana Rodríguez Iglesias y Karina Granieri.
XX Premio Federico Jorge Klemm a las Artes Visuales 2016.
Yo después de vos, curador David Nahón, Teatro Sarmiento.
Estandarte, Muestra del Bicentenario. Museo de Arte Contemporáneo del sur, Lanús. Curadora Olga Correa.
Dixit, Edición 25 aniversario. ArteBA. Buenos Aires. Curadores: Federico Baeza. Lara Marmor y Sebastián Vidal Mackinson.
Bosquejar, esbozar y proyectar, curadores Santiago Bengolea y Javier Aparicio, Galería Quimera, Buenos Aires.

2015
“Hacer con lo hecho. Arte y vida cotidiana en la escena argentina contemporánea¨. Museo Municipal de Arte Moderno de Cuenca. Ecuador
Interfaces, una antología posible. Centro Cultural Kirchner.
Bellos Jueves, 1era. Edición 2015. MNBA. Buenos Aires.
Ciclo Situaciones Breves. Joglar, Herrera, Rodríguez Giles. Ruth Benzacar
El borde de sí mismo. Ensayos entre el teatro y las artes visuales. Curaduría:
Alejandro Tantanian y Javier Villa. MAMBA. Buenos Aires

2014        
Muestra Vergel + MCHG -3ra. Edición. Maria Casado Home Gallery.
Zona Inédita. BA Photo. Centro Cultural Recoleta. Curadoras: Ana Martínez Quijano, Ariadna Gonzáles Naya.
Ampliación, Telleria, Siquier, Zini Maidagan, Joglar. Museo Nacional de
Bellas Artes Castagnino. Curador: Leandro Comba
Soberanía del uso. Apropiaciones de lo cotidiano en la escena contemporánea
Fundación Osde. Buenos Aires. Curadores: Sebastián Vidal Mackins y
Federico Baeza.
Paisajes esenciales, Villa Victoria Ocampo, Mar del Plata

2013
MALBA, donaciones, adquisiciones y comodatos, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires.
Geometría, desvíos y desmesuras, Espacio de Arte, Fundación Osde Buenos Aires. Curadora Danielle Perret.
Algunos artistas 90-Hoy, Fundación Proa, Buenos Aires .Argentina.
Circuito Cultural Borges-Xull Solar, intervención  en la vía publica.
Explica. Una ordenación zodiacal sobre la colección Castagnino+macro.
Museo Municipal De Bellas Artes Juan B Castagnino. Rosario. Argentina.
Curadores Verónica Flom y Santiago Villanueva.
Roberto Aizenberg, Trascendencia-Descendencia. Colección de arte Amalia
Lacroze de Fortabat, Buenos Aires. Argentina. Curadora Valeria Gonzáles.

2012         
SP-Arte, stand Galería Ruth Benzacar, Parque do Ibirapuera, Sao Paulo, Brasil
Intervenciones, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires.
Pertenencia, Villa Victoria Ocampo, Buenos Aires.
Poéticas de la experiencia. Pruden, Joglar, Krygier, Instituto Cervantes. Sao
Paulo. Brasil

2011  
An Exchange whit Sol Lewitt, A two-part exhibition co-presented by MASS MoCA and Cabinet USA. Curadora Regine Basha.
Fuga Versátil, Fundación Proa, Buenos Aires.
Punto-linea-curva. C.C.Borges. Buenos Aires. Curador: Philippe Cyroulnik.

2010         
El Espacio en Cuestión, Fundación OSDE. Buenos Aires, Argentina
¡Afuera! Arte en Espacios Públicos. Centro Cultural España. Córdoba.
Argentina. Curadores: Rodrigo Alonso, Gerardo Mosquera.                         .
Paisaje y Memoria, Centro Cultural Recoleta. Buenos Aires. Argentina Curadora: Alina Tortosa
Open House. Argentine Contemporary Art Exhibition. Londres. Curador: Fernando Farina
Tiny Touring Round the World Exhibition. The Bluecoat, Global Studio exhibition. The Royal Standard. Liverpool. United Kingdom

2009
Sinestesia, un cruce entre la materia y los sentidos. Itau Cultural. Buenos Aires.
Una vista de Argentina, University of Dallas, Texas.
Lindero. Fundación Proa, Buenos Aires. Argentina.
Vamos, Galería Nueve ochenta, Bogotá. Colombia.
Escuelismo, MALBA, Museo de Arte Latinoamericano, Argentina
Tributo a la Madonna de las Artes, Daniel Abate Galería. Argentina
PH, Taller de Emiliano Miliyo, Buenos Aires. Argentina
System Mild, Dallas Contemporary. Dallas
Architecture, Art Lab. CADD. Dallas
Aperture. Panamerican Art Projects. Dallas
Open Studios. Centraltrak, University of Texas at Dallas
2008         El Diario Personal. Centro Cultural Parque España, Rosario. MAC, Museo de
Arte Contemporáneo, Salta. Argentina. Centro Cultural Rio Gallegos.
Relevé, Andrew Edlin Gallery, New York, USA.
Visions from Abroad, Flushing Town Gallery, Queens, NY, USA.

2007
Pinta, Latin-American Art Faire. NY, EE.UU.
Project Room, Pan American Art Projects, Miami, EE.UU.
Red Badge of Courage, National Newark Building, Newark, NJ.EE.UU.
Ouro Sentimental.  Museum of Contemporary Art, Niteroi. Río de Janeiro

2006
OFF, FÓRA. 29a. Bienal de Pontevedra, Galicia, España, Curadora Victoria Noorthoorn
MALBA, donaciones, adquisiciones y comodatos, Museo de arte Latinoamericano de Buenos Aires.

2005         
Civilización y Barbarie. Museo del Canal Interoceánico. Panamá.

2004          
MALBA, donaciones, adquisiciones y comodatos,  Museo de arte Latinoamericano de Buenos Aires
Civilización y Barbarie.  Espacio Cultural Renato Russo, Brasilia, Brasil.
Museo Moderno de Carlos Mérida, Guatemala.

2003 
Artissima .Feria de arte, Galería Dabbah Torrejón. Torino, Italia
BK, Luis Fernando Pradilla Gallery, Madrid, España.

2002
Arte en centímetros, Luis Fernando Pradilla Gallery. Madrid, España
Ultimas tendencias, Donaciones, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires,

2001
Premio Banco Ciudad, Museo de Bellas Artes de Buenos  Aires, Argentina.
Premio Banco Nación, C.C. Recoleta. Buenos  Aires, Argentina.

2000         
Panoramix 2, Fundación Proa, Buenos Aires, Argentina

1999         
Obras 1999. Centro Cultural Borges. Buenos Aires, Argentina

1998
Bienal Regional de Bahía Blanca, Museo de arte Contemporáneo. Bahía Blanca, Buenos Aires, Argentina.
Balance 98, Fundación Proa. Buenos Aires, Argentina

1997         
Vortex, proyecto Caja Negra, Espacio Nave,C.C.Auditorium, Mar del Plata

1996        
Primera Bienal de Arte Joven, Museo Castagnino. Mar del Plata, Argentina
Vortex, Drangosch, Echevarría, Joglar, C.C.Recoleta, Buenos Aires.

Premios

2009 Fondo Nacional de las Artes. Argentina
2004 Asociación Argentina de Críticos. Premio Elena Poggi, Argentina
2002 Fondo Nacional de las Artes. Argentina.
2002 Fundación Antorchas. Argentina
1998 Primer premio, Bienal Regional de Bahía Blanca. Museo de arte contemporáneo de Bahía Blanca, Argentina.
1997-99 Programa de becas para artistas jóvenes, Guillermo Kuitca. Centro Cultural Borges. Buenos Aires, Argentina.

Colecciones

MACBA, Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires.
MALBA, Museo de Arte Latinoamericano, Buenos Aires, Argentina.
MAMBA, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina.
MACRO, Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, Santa Fe. Argentina
MACBA, Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca. Buenos Aires, Argentina.
Museo Provincial de Bellas Artes  Franklin Rawson.  San Juan. Argentina.
ZABLUDOWICKZ  COLLECTION, Londres, Inglaterra
BANCO SUPERVIELLE,  Buenos Aires. Argentina.

Textos

EL MUNDO SIEMPRE, Entrevista a Daniel Joglar. Por Lucas Beccar, 2013

A partir de un juego de referencias cruzadas, tensiones y encriptaciones, Daniel Joglar explora su mundo personal y vivencial con los objetos donde las relaciones de proximidad, adyacencia y contigüidad activan espacios y escenas para contemplar y repensar el mundo.

LB – Comenzamos el recorrido por la exhibición con la pieza Babor-Estribor ¨El abismo dijo: No está en mí. Y respondió el mar: Tampoco la tengo.¨

DJ – La pieza está compuesta por dos apliques lumínicos cromados con una lámpara de color rojo y otra azul encendidas y dimerizadas. Los colores surgieron de los objetos que se presentan en el catálogo que inspiraron la muestra. En realidad el código de babor-estribor no es rojo y azul sino rojo y verde pero gustaba la idea de dar contraste y referenciar dos posibilidades, dos caminos o dos rutas a elegir.

LB – Dos trabajos  hechos a partir de botones y tela entablan diálogo en la sala.

DJ – El nombre de uno de los trabajos es Haciendo memoria y está compuesto por botones cosidos en tela batista montada sobre un barral de hierro pintado. Cuando encontré esta tela descubrí que contenía mucha información partir de una falla, unas rayitas azules en la parte inferior que van perdiéndose hacia arriba. La colección de botones la obtuve en un lugar que se llamaba Hobby lobby. Descubrí un paquete con toda una mezcla de botones vintage de todos colores y tamaños. Alguien había nombrado el pack como haciendo memoria. Me gustó mucho esa situación y lo tomé para el título de la pieza. Los fui cosiendo aleatoria e intuitivamente en una grilla y separándolos a igual distancia.

La otra obra con botones, Pequeño Damien Hirst, está realizada sobre tela de gross, que tiene distinta calidad y es más delicada. Es muchas veces utilizada en museografía para la exhibición de piezas. De acuerdo a la información que aporta el gross, el conjunto tiene más relación con la situación de exponer algo. Al verla terminada, me pareció sumamente pictórica y recordé las pinturas de puntos de Hirst, en un guiño a su obra que relaciona la pintura con la ciencia y las representaciones de códigos genéticos.

LB – En relación a las ideas de exhibición y exposición y las vinculaciones que se generan con otros artistas, Los mineros (sobre la obra La comida del artista, de Victor Grippo) establece una relación de proximidad con una suerte de muestrario mineral.

DJ – Las vinculaciones que establezco con la obra de Grippo son totalmente forzadas, subjetivas y personales. A partir de una estructura de hierro y vidrio, entran en situación de exhibición diversos materiales y objetos. Esta asociación da cuenta de los materiales que tienen que ver con los artistas como los blocks de papel para hacer croquis, el lápiz, objetos que pertenecen a la joyería, un cristal de roca semi tallado, difusores de calor, y dos vasos de madera que son como una especie de crisoles que contienen azúcar negra y rubia en cristales mas pequeños. Los mineros buscan metales preciosos en la profundidad y me interesaba relacionarlo con la labor de los artistas que sacan a la superficie y manifiestan diversas situaciones.

LB – Donaldmejuddme es otra de las piezas que se emparentan a obras de otros artistas y acentúa lo modular como elemento en tu proceso constructivo.

DJ – La pieza está construida en módulos de madera, bronce y cobre. Todo comienza a partir del modulo principal que es el más grande y tiene el tamaño del doble de una cartulina. A partir de ahí se establecen particiones de ésa medida en mitades y cuartos y todo se despliega en esa relación. Me interesaba apoyarlos con gamuzas para que al tocar la pared de un modo cuidadoso y amoroso se generara una suerte de vibración casi como un aura del objeto. El título surge del cruce de mi admiración por el trabajo de Donald Judd y de la referencia al film Color me Kubrick de Brian Cook.

LB – Hay piezas que estriban en relaciones de proximidad y activan el espacio como Clásica y Diez colores.

DJ – Un ánfora de bronce, una anilla de escalada y un mosquetón de acero estructuran materialmente la pieza. El objeto tiene forma clásica y remite al  mundo de los recuerdos. Está suspendido del cielorraso de la sala por medio de una anilla de escalada y sujeto con un mosquetón de acero. Activa el aire alrededor. Me interesaba utilizar materiales ultrarresistentes que soportan a las personas que escalan. Para mi escalar tiene toda una connotación espiritual, subir, ascender y se entrecruza semánticamente con la idea de superar un recuerdo para poder continuar adelante.

La pieza llamada Diez colores ocupa el espacio central de la sala. Es una cortina de bandas verticales hecha en poliamida en degrade cromático. Produce una activación diagonal en el espacio al emplazar una dirección de colores moviendo y cortando el aire. Las bandas no están superpuestas sino levemente giradas lo que produce un efecto óptico al caminar y recorrer el espacio.

LB – ¿Cómo pensaste el emplazamiento de las obras en sala?

DJ – La propuesta está pensada para que las cosas estén apoyadas sobre el lugar casi ocupando todos los puntos de la sala. Suspendidas desde el cielorraso, apoyadas sobre el piso, tocando la pared o directamente sobre ellas.

LB –  ¿Con Perdiendo mi religión volvés a tocar el tema de la espiritualidad?

DJ – El trabajo no habla específicamente o sólo de religión. Mas bien desde lo formal funciona a la manera de un gran rompecabezas de un tamaño parecido al de un planisferio apaisado hecho con cruces de madera que al estar encastradas arman la superficie. Nuevamente me interesaba tomar el módulo y construir la totalidad. La composición es aleatoria y el color varía porque las piezas fueron adquiridas por separado. Al tomar distancia de la pieza se ven una especie de vistas aéreas o cartográficas. El título surge a partir del tema de R.E.M Losing my religión que hace referencia a una expresión de los americanos del sur cuando quieren decir que están desquiciándose o están obsesionados con algo. Cuando empezás a perder tus creencias se te mueve todo el piso y uno tiene que empezar a ubicarse de otro modo. Se genera así un estado de inestabilidad interesante.

LB – Plano celeste – Grand Manan, Plano rosa – Marsaxlokk y Plano verde – Ireland Island North and South Basins, son tres trabajos que establecen recorridos propios y casi secretos.

DJ – Estas piezas están establecidas a partir de tres grandes planos de color, construidos con módulos de tamaño A4, pegados con cinta de papel y acompañados por fotografías de tres cartas marítimas. Los planos de color se transforman en mapas despojados de referencias y dotados de gestos de pegado que dan múltiples direcciones. No me interesaba exhibir las cartas marítimas como objetos en sí mismos, preferí reproducir sus imágenes al atravesarlas por la fotografía para brindar así una renovación del lenguaje. El contrapunto se establece cuando uno de los elementos da toda la información para desplazarse y arribar a un punto geográfico mientras que el otro elemento lo oculta todo.

LB – Eclipse es la última de las piezas en exhibición que nuevamente genera una situación ambiental interesante.

DJ – Es una alusión a una especie de constelación y se alinea con trabajos anteriores, donde trabajé con una serie pelotitas enhebradas con tanza y ordenadas sistemática y cromáticamente. En este caso la elección del color va desde el ámbar, las gamas de azul y el marrón al blanco y negro, con tres detalles mínimos de color rosa, azul y naranja. El conjunto dialoga con una lámpara de pie que reenvía al mundo de la decoración y la ambientación. En mi trabajo están muy presentes estos guiños porque permiten desestructurar y quitar la idea tan potente del aura en la obra. La cuestión de la luz ambiental resultaba funcional para neutralizar las sombras y generar una sensación de mayor ingravidez. Las líneas cuelgan de soportes circulares con rayos que construyen columnas con una serie de estratificaciones que establecen ritmos individuales y generales.

LB – ¿Cómo describirías los procesos implicados en la construcción de tu cuerpo de obra?

DJ – Con mucho tiempo. El proceso es muy largo y no solo implica la organización de los materiales y la observación de sus formas. Viene de mucho antes en relación a cosas que haya leído, la información que haya recolectado, mis propios intereses y el encuentro con los materiales. El proceso es siempre intuitivo y muy formal con respecto a los objetos escogidos.

LB – ¿Y tu relación con los objetos?

DJ – Voy coleccionando cosas que me atraen, me llaman la atención o constituyen recuerdos. Hay hasta regalos de amigos que al elegirlos reconocen en ellos intereses míos. Me gusta incluirlos en las obras y transformar aquello que el otro vio referido a mí. Al mostrarlos se amplía el gesto de entrega y todo logra finalmente circular. Se produce una re-significación. Generalmente pasa un tiempo hasta que logro usarlos pero pareciera que en un momento se unen y aparece el sentido colectivo acompañado de otras cosas.

Los objetos son importantes pero es también muy importante el espacio entre ellos. Se generan espacios de irradiación que activan puntos de funcionamiento, neutralidad y silencio necesarios para poder percibir y comprender. Espacios de observación que funcionan como ecos.

DANIEL JOGLAR. Por Alina Tortosa, 2009

What comes across immediately in the work of Daniel Joglar is his sense of economy. His habit of using whatever is available, together with his deep and long-sustained impulse to hoard odd and disparate found objects without premeditated intention, could have led his installations to excess. But his inherent gift for poetic harmony guides his decisions judiciously throughout each work’s development.

Joglar’s regional culture and academic pursuits in chemistry, architecture, theology and philosophy are profoundly imbedded in his work. His decision to become an artist, triggered by an ongoing search for meaning, earned him a place in the Studio Program for the Visual Arts in Buenos Aires, an artists’ residency created by Guillermo Kuitca. The two years spent working in this context reinforced the penchant for experimentation he had acquired during his chemistry studies. While some of his colleagues lost themselves in this open-ended atmosphere, Joglar put to good use his chemistry experience, especially in the careful consideration of weight and measures.

His first table installations of simple stationary items were shown in a group exhibition at the Centro Cultural Borges in Buenos Aires. This event was followed by ‘Geografía’ in 2001, at the Dabbah Torrejón gallery, a show that held its own in terms of style and commitment, though unconsciously rooted in the River Plate constructive art tradition. Reams of pastel-coloured office paper in slightly undulating piles represented the different layers of land as it is conventionally drawn in diagrams. Pieces of tree trunk were sliced to show the age of the tree, while a wall installation of pick-up sticks closely followed the way they had fallen when dropped on the floor.

Ants, spiders and bees’, an exhibition of table installations at the Centro Cultural Borges in 2004, was inspired in Sir Francis Bacon’s theories on how the different methods in which scientists work resemble that of ants, who collect, spiders, who knit their webs with their own substance, and bees who gather material and transform it. In ‘Distant Sounds’, Joglar’s 2005 show at Dabbah Torrejón, he showed clean-cut minimal objects sparsely laid out on small classic French-style tables. Together, the cryptic arrangements evoked religious enigmas in the manner of cabbalistic riddles.

In 2006 Joglar liberated his work from a given surface by creating mobiles made up of light rods and circles, which swing in the air at the slightest breeze. In the same year, he mounted his first exhibitions abroad: at the Pontevedra Biennial in Spain and at the Blanton Museum of Art in Austin, Texas. For Pontevedra – a traditional Catholic fishing town – Joglar hung a large fishing net woven with green luminescent rosaries, showing once more his grasp of the essential and the immediate. His latest work includes periodic tables, an overt acknowledgement of his chemistry background and of his need to classify and systematize the objects that he so adroitly displays.

Vitamin 3-D / New Perspectives in Sculpture and Installations, Phaidon Press, 2009, page 162.

...extraído de LÍMITES SIN FRONTERAS, DabbahTorrejon 5 años. Por Victoria Noorthoorn, 2005

…Y si bien en Daniel Joglar el proceso esta presente, aquí el gesto artístico se ubica en torno a la búsqueda de materiales de su contorno cotidiano, su desplazamiento hacia un contexto artístico, y la gramática que resulta de su sintaxis en el espacio o sobre un plano subyacente. Es que en Joglar, el arte se abraza a la poesía; aquella puesta en acto donde a partir de una conjunción de elementos se produce un momento mágico.

Podríamos referir al rol de la inspiración en este devenir, aquel estado que , siguiendo a la canadiense Agnes Martin (1912-2004), podríamos considerar existente en todo momento: “Aquello que nos toma por sorpresa- aquellos momentos de felicidad/ eso es la inspiración.[…] Está allí en todo momento, para todo aquel cuya mente no esta nublada por pensamientos[…] Por supuesto sabemos que un estado mental no perturbado/ no puede durar entonces decimos que la inspiración viene y se va/ pero realmente esta presente todo el tiempo esperando que seamos/calmos nuevamente” *.

Es esta claridad, esta transparencia, la que se hace presente en el arte de Joglar. Como si el artista descubriese un poder residente en el ser de cada mínimo objeto, una relación latente, que entonces despliega y pone en diálogo con el ser de los otros materiales. Lo suyo es poesía en tanto construcción de un mundo visual que emerge a partir de los más sutiles desplazamientos, de un plano de madera o de metal sobre un plano de cuero o papel. Se trata de un enaltecer la conciencia y los sentidos, de un llamar la atención sobre cualidades antes escondidas, para permitir la aparición de ese dios o de ese monstruo tan grandioso e inabarcable que es el arte.

* Agnes Martin, “The Untroubled Mind” (basado en notas para una conferencia en Cornell University en enero de 1972), Flash Art 41, junio de 1973, pp.6-8; republicado en Agnes Martin ( Philadelphia:Institute of Contemporary Art, University of Pennsylvania, 1973),pp17-24

Lucio Castro, 1999

Quince cartuchos de tinta negra o azul o veinte o mil.
Quietos.
No tienen pasado.
No fueron hallados en el cordón de una vereda en la
noche de su cumpleaños.
No hay casualidad. No hay fetichismo. No hay melancolía
Una tabla que es una mesa que es una aldea.
Contornos sin erosión sin tiempo.
Un terreno acotado en donde esta prohibido entrar a cazar,
en donde la sensibilidad desplaza a la especulación cínica.
Los objetos usurpan ese espacio público conformado por las
tablas y los caballetes, e instauran una monarquía tipográfica:
Usted debería acercarse
y escuchar las pequeñas conversaciones entre broches y papeles
o alejarse
y descifrar el relieve nítido de este pentagrama horizontal.
Y lo inevitable;
la opción vedada de mover un objeto
y desmantelar la geografía impuesta por un dios intuitivo y anónimo.